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L’importance de la couleur en art abstrait

L’art abstrait est un mouvement artistique fascinant qui se distingue par son absence de représentation figurative. Au lieu de représenter des objets ou des scènes du monde réel, les artistes abstraits utilisent des formes, des lignes et des couleurs pour communiquer des émotions, des idées et des concepts. Parmi ces éléments, la couleur occupe une place particulièrement cruciale. Dans cet article, nous explorerons l’importance de la couleur en art abstrait et la manière dont elle peut influencer notre expérience en tant que spectateurs.

À flanc de colline, Chantal Proulx, 2023
Jardin de Métis, Chantal Proulx, 2023

La couleur est un langage puissant en art abstrait. Elle transcende les barrières linguistiques et culturelles, permettant aux artistes de communiquer des sentiments et des idées de manière universelle. Chaque couleur a sa propre signification symbolique et émotionnelle, et les artistes abstraits utilisent ces associations pour créer des compositions visuelles riches en significations.

Hommage à Gershwin, Chantal Proulx, 2023
24 février 2022, Chantal Proulx, 2022

Le language de la couleur

Par exemple, le rouge est souvent associé à la passion, à l’énergie et à l’amour, tandis que le bleu peut évoquer la tranquillité, la sérénité et la profondeur. Les artistes abstraits jouent avec ces associations pour créer des compositions qui incitent les spectateurs à ressentir et à réfléchir. L’agencement des couleurs dans une œuvre abstraite peut déclencher des émotions intenses, susciter des souvenirs ou provoquer une réflexion profonde.

De plus, la couleur en art abstrait peut être utilisée pour équilibrer une composition. Les artistes doivent décider comment répartir les couleurs sur leur toile pour créer un équilibre visuel harmonieux. Ils peuvent choisir d’utiliser une palette de couleurs vives et audacieuses pour créer un impact visuel immédiat, ou opter pour des teintes plus douces et subtiles pour une ambiance plus apaisante. La manière dont les couleurs interagissent les unes avec les autres est cruciale pour l’effet global de l’œuvre.

Jardin d'eau, Chantal Proulx, 2022
Le jour où j'au ouvert la porte, Chantal Proulx, 2023

La couleur peut également être utilisée pour diriger l’attention du spectateur et créer une hiérarchie visuelle. En mettant en avant une couleur particulière ou en utilisant des contrastes forts, un artiste peut guider le regard du spectateur à travers l’œuvre, mettant en avant des éléments spécifiques ou créant une dynamique visuelle.

En conclusion

En conclusion, la couleur joue souvent un rôle central et indispensable en art abstrait. Elle est un moyen de communication puissant, un outil pour créer des émotions, un élément clé de l’équilibre visuel et un moyen de guider l’attention du spectateur. En explorant la couleur de manière créative, les artistes abstraits ouvrent la porte à une expérience artistique riche et profonde qui continue de captiver et d’inspirer les amateurs d’art du monde entier.

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C’est quoi l’art abstrait au juste ?

L’art pictural a connu plusieurs courant au fil des siècles. Pensez seulement à l’art égyptien de l’Antiquité qui représentait de manière rigide les divinités et les pharaons, ou au romantisme qui mettait l’emphase sur l’expression des émotions, de l’individu et de la nature, ou encore à l’impressionnisme qui tentait de capturer la lumière et l’atmosphère des scènes peintes en plein air.

Quant au courant d’art abstrait, il a fait son apparition au début du 20e siècle avec des peintres comme Kandinsky, Mondrian ou encore Malevitch.

717px-Kazimir_Malevich,_1915,_Black_Suprematic_Square,_oil_on_linen_canvas,_79.5_x_79.5_cm,_Tretyakov_Gallery,_Moscow
Carré noir sur fond blanc, Kasimir Malevitch, 1915
Catalogue no. SCH-1957-0071
0333329    
Piet Mondriaan    
Title: Composition with Large Red Plane, Yellow, Black, Gray and Blue Painting
scan van neg juni2006
Composition en rouge, jaune, bleu et noir, Piet Mondrian, 1921
Vassily_Kandinsky,_1913_-_Color_Study,_Squares_with_Concentric_Circles
Carrés et cercles concentriques, Vassily Kandinsky, 1913

L’art abstrait se caractérise par l’absence de représentation figurative ou de référence directe à la réalité. Au lieu de représenter des objets, des paysages ou des personnes de manière reconnaissable, les artistes abstraits utilisent des formes, des couleurs, des lignes et des textures pour exprimer des idées, des émotions et des concepts de manière non figurative. L’art abstrait permet aux artistes de créer des œuvres d’art qui sont souvent ouvertes à l’interprétation personnelle du spectateur.

Je n'ai pas peur du ridicule, Chantal Proulx, 2022
Coucher de soleil sur l'étang, Chantal Proulx, 2008

Les différents courants de l’art abstrait

Il existe plusieurs courants de l’art abstrait, chacun avec ses propres caractéristiques et évolutions au fil du temps. En voici quelques-uns.

L’art abstrait géométrique se caractérise par l’utilisation de formes géométriques ainsi que des lignes droites et des angles.

L’art abstrait expressionniste met l’accent sur l’expression des émotions à travers la couleur, la texture et la gestuelle. Logiquement, il comprend la sous-catégorie nommée art gestuel caractérisé par une approche spontanée et gestuelle de la création artistique, où les artistes utilisent des gestes rapides et expressifs pour appliquer la peinture sur la toile.

Les géraniums, Chantal Proulx, 2023
Éclipse, Chantal Proulx, 2016

L’art abstrait minimaliste : ce courant se caractérise par la simplicité et la réduction à l’essentiel, utilisant des formes très simples, des couleurs limitées et des surfaces épurées pour créer des œuvres d’art qui invitent à la contemplation et à la réflexion.

En conclusion

Comme on peut le voir, l’art abstrait est assez varié et comprend plusieurs courants qui ne sont pas mutuellement exclusifs. De nombreux artistes abstraits ont été influencés par plusieurs de ces courants au fil de leur carrière. D’autres mélangent ces courants dans une même oeuvre. Mais une chose est constante : pas de représentation figurative dans l’art abstrait.

Finalement, l’art abstrait est devenu un mouvement artistique répandu ouvrant de nouvelles voies pour la créativité artistique.

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Une reproduction, ça vous dit?

Les oeuvres d’art originales, uniques et authentiques, sont toujours appréciées des collectionneurs. Toutefois, elles sont souvent chères et ne sont pas accessibles à tous les portefeuilles. C’est ici qu’entrent en jeu les reproductions de haute qualité.

Ces reproductions peuvent être limitées, c’est-à-dire qu’elles sont imprimées en quantité limitée. Elles sont généralement accompagnées d’un certificat d’authenticité qui indique le support, le nombre total de l’édition et le numéro de la reproduction vendue, de même que la signature de l’artiste. Par exemple, si ce dernier offre une édition limitée de 10 copies et qu’il vient de vendre la quatrième copie, le certificat indiquera ceci: Édition limitée 4/10. Il faut noter que plus le nombre de copies est grand, moins le prix est élevé.

Il existe aussi des reproductions ouvertes, c’est-à-dire que leur nombre n’est pas limité. Elles ne sont pas signées par l’artiste et aucun certificat d’authenticité n’est fournit lors de l’achat. Leur coût est encore moins élevé que celui des éditions limitées et les grandeurs peuvent être multiples. Les supports peuvent également varier: papier, toile, acrylique, métal.

Quelle est l’utilité des reproductions?

Une reproduction en édition limitée ou en édition ouverte peut avoir de multiples usages.

POURS :
  • Accessibilité financière : Les reproductions d’art sont généralement beaucoup moins chères que les œuvres originales. Cela vous permet d’acquérir une pièce d’art de haute qualité à un coût plus abordable.
  • Décoration intérieure : Une reproduction d’art peut ajouter de la beauté, du caractère et de la personnalité à votre espace de vie. Vous pouvez choisir une œuvre qui correspond à votre style et à votre esthétique pour améliorer votre décoration intérieure.
  • Cadeau unique : Une reproduction d’art peut faire un cadeau exceptionnel et significatif pour un être cher. Vous pouvez choisir une œuvre qui a une signification particulière pour vous deux.
 
Charlotte a un chat; Benjamin le marin
Cherry Blossom
CONTRES :
  • Manque d’authenticité : Les reproductions ne sont pas des œuvres originales créées par l’artiste. Elles peuvent manquer d’authenticité surtout si elles sont produites en masse et qu’elles ne sont pas signées par l’artiste.
  • Moindre valeur artistique : Les reproductions ne capturent pas toujours la même qualité artistique, la texture, la profondeur et les nuances de l’œuvre originale.
  • Peu de potentiel d’investissement : Contrairement aux œuvres originales, les reproductions en édition ouverte n’ont pas de potentiel d’appréciation de la valeur avec le temps. Toutefois, elles peuvent gagner en valeur si elles sont signées par l’artiste et accompagnées d’un certificat d’authenticité. Ce qui est habituellement le cas des éditions limitées.

En conclusion

En fin de compte, le choix entre l’achat d’une reproduction et celui d’une œuvre originale dépend de vos préférences artistiques, de votre budget et de vos objectifs en tant que collectionneur ou amateur d’art. Il est important de prendre en considération ces facteurs avant de faire un achat pour vous assurer que vous obtenez la meilleure expérience artistique possible.

Si vous le pouvez, préférez les reproductions en éditions limitées. Elles sont habituellement imprimées avec des encres de qualité archive, signées par l’artiste, numérotées et accompagnées d’un certificat d’authenticité. Elles pourront gagner en valeur avec le temps. 

Mais s’il ne s’agit pas d’un investissement, ou que vous souhaitez simplement décorer votre environnement en pensant que cette décoration pourrait changer avec le temps, alors une reproduction en édition ouverte est toute indiquée.

Peu importe votre choix, la présence d’oeuvres d’art ajoutent de la beauté et de la sophistication à un espace intérieur. Elles peuvent servir de point focal et de pièces maîtresses de la décoration, contribuant ainsi à créer un environnement visuellement attrayant.

Elles permettent aussi d’exprimer votre personnalité.

Il est important de choisir des œuvres d’art qui vous parlent personnellement et qui s’intègrent harmonieusement dans votre espace de vie. Que ce soit de grandes toiles, des sculptures, des photographies, des œuvres d’artisanat ou d’autres formes d’art, l’art peut vraiment transformer votre maison en un espace plus enrichissant sur le plan esthétique et émotionnel.

Vous avez des questions ? Vous cherchez un produit ?

N’hésitez pas à me contacter. 

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Arizona

Je vous présente les différentes étapes qui ont mené à la création de l’oeuvre intitulée Arizona.

Étape 1

Je commence par dessiner des lignes aléatoires au crayon aquarelle.

Étape 2

La première couleur est habituellement foncée. Ici, il s’agit d’un sépia.

Étape 3

J’ajoute des taches de couleurs qui donnent le ton à l’oeuvre.

Étape 4

Les prochaines couleurs sont mélangées directement sur la toile afin de produire des dégradés. Durant cette étape, je vaporise la toile avec un brume d’eau pour garder la peinture humide. À quelques endroits, je vaporise des jets d’eau pour créer des coulisses.

Étape 5

Je laisse sécher. Pendant ce temps, je fais des croquis pour établir la direction à donner à cette oeuvre. Si, jusqu’à maintenant, le processus était plutôt intuitif, la suite, elle, sera plus réfléchie et méthodique.

Étape 6

J’ajoute maintenant des formes organiques en à-plat et des décorations (points, traits, éclaboussures)

Acrylique, graphite et fusain sur toile galerie, 102 X 102 X 4 cm (40 X 40 X 1,5 po)

Étape 7

Je termine en ajoutant les lignes au graphite et au fusain.

Voilà! Elle est terminée.

Acrylique, graphite et fusain sur toile galerie, 102 X 102 X 4 cm (40 X 40 X 1,5 po)

Bien soigner les côtés

Puisque cette oeuvre est réalisée sur une toile galerie de 4 cm d’épaisseur, elle peut être installée au mur sans cadre. Pour cette raison, je soigne toujours les côtés. Je peux les peindre d’une couleur uniforme ou en continuité avec l’oeuvre, en poursuivant les motifs sur les côtés. C’est ce que j’ai fait ici.

Vernissage

Le vernis est souvent sujet de débat. Dois-je en mettre ou non? En ce qui me concerne, je n’hésite pas. Le vernis protège des rayons UV et de la poussière qui pourrait s’incruster dans la peinture. Toutefois, je n’aime pas beaucoup les vernis très lustrés. C’est pour cette raison que j’opte pour un vernis au fini satiné comme celui de Liquitex. J’en applique deux couches .

Couleurs utilisées

Voici les couleurs utilisées pour réaliser cette oeuvre.